Festival Imersivo 2022

Festival Imersivo

19 e 20 Fevereiro 2022 | Lisboa Incomum

Lisboa Incomum inaugura novo Sistema Imersivo

O Festival marca a abertura do novo Sistema Imersivo com uma série de atividades concebidas para o mesmo, incluindo concertos, uma instalação sonora e duas exposições.

A programação inicia no sábado com um concerto de música acusmática, com obras dos compositores Annette Vande Gorne, Marta Domingues, Hugo Vasco Reis e Jaime Reis, concebidas especialmente para este sistema.

No domingo, o Lisboa Incomum recebe um concerto de videomusic com curadoria de João Pedro Oliveira, um dos mais conceituados compositores da atualidade, e professor na Universidade de Santa Barbara, Califórnia. Conta com obras de Jorge Sad Levi/Pablo Magne, Dennis Miller, Chikashi Miyama e João Pedro Oliveira.

Ambos os concertos serão às 19h30.

Durante este fim de semana, estará ainda em exibição permanente a instalação sonora Immersus, ou “YAFS” (yet another free spatializer) de Carlos Caires, um software concebido inicialmente para a cúpula multi-canal da ESML (projecto immersus/IDI&CA-IPL, Jaime Reis, Sérgio Henriques e Carlos Caires), através do qual, recorrendo a um sensor leap motion, o utilizador pode espacializar diversas fontes sonoras com o movimento da sua mão. O software inclui ainda outras particularidades direccionadas para a performance e improvisação sonora em ambientes imersivos.

Também em exposição permanente, SUITCASE 11, com curadoria de Francisco Barahona. É um projeto que contém obras de arte que circulam numa Mala de Viagem e residem temporariamente em vários festivais de arte na Europa, promovendo arte, artistas e criação artística em toda a Europa. A partir do centro de arte contemporânea EXIT11 em Grand-Leez, Bélgica, a mala viajou para o ARTIS 2021 - Festival de Artes e Ideias em Seia, organizado pela AAIS, no passado mês de Maio. A 31 de Julho, a mala viajou para a Moitamostra, organizada pelo GEIC em Castro Daire (Viseu). Também a Escola de Artes da Universidade de Évora recebeu a mala durante o Festival de Música Contemporânea, em outubro.

As exposições poderão ser visitada nos dias 19 e 20 de feveiro entre as 15h e as 19h.

Entrada livre mediante reserva para [email protected]

Obrigatório o uso de máscara ou viseira e apresentação de certificado de vacinação, recuperação ou de teste negativo.

Parceiro Institucional - República Portuguesa - Ministério da Cultura

PROGRAMA

19 Fev 22 | 19h30

Annette Vande Gorne - Jour de l'an: Feux d’artifice (d’après Debussy)

A cultura japonesa considera o Ano Novo (pouco antes da primavera) como uma estação, devido à sua experiência particular.

Feux d’artifice (d’après Debussy) anuncia o objetivo geral da obra: vincular, tanto quanto possível, o repertório histórico da música erudita europeia às práticas atuais de escrita musical em estúdio, a música acusmática. Aqui, o prelúdio para piano de mesmo nome é tomado como um comando temporal, estrutural e literal.

Marta Domingues - Brincar de Pensar *

Uma peça que nos quer levar numa viagem onírica por lugares estranhos, Brincar de Pensar é inspirado numa frase de Clarice Lispector, que nos diz: "Às vezes começa-se a brincar de pensar, e eis que inesperadamente o brinquedo é que começa a brincar connosco."

Hugo Vasco Reis - Polyphonic Mass *

Polyphonic Mass é uma obra de gravações de campo que pretende investigar e entender as propriedades dos sons comuns que se ouvem no dia a dia, os quais, em princípio, são negligenciados, dado que não assumem uma importância principal na nossa audição. Estas gravações de campo são também uma oportunidade para criar um afastamento dos padrões tracionais, procurando um plano diferente para trabalhar o som e fazer com que o material recolhido se desligue de uma imagem ou situação concreta, unindo sons que aparentemente não estão relacionados. A perceção dos sons negligenciados cria um fenómeno de status quo, como critério para a criação desta obra que vai da figuração para a deformação do som. Combinam-se assim elementos de um tempo presente e um lugar, ou vários lugares, que transmitem a fragilidade das situações quotidianas, a sua ritualização, polifonia, impulso, densidade e prosódia como elementos do discurso musical.

Jaime Reis - Omnisciência é um Colectivo - Parte 1

Omnisciência é um Colectivo - Parte 1 é uma obra eletroacústica para 9 canais, para ser tocada usando um sistema de espacialização semi-esférica e foi estreada em novembro de 2009 para mais mais de 3000 pessoas num concerto com a famosa banda de rock portuguesa Blasted Mechanism e escultor Pedro Carvalho, em Lisboa. A peça usa gravações de vozes de membros da ASEFUAN (um grupo de jovens líderes de 43 países do Encontro Ásia-Europa que se formaram na ASEF Programas Universitários), registados nas florestas de Solvalla, Finlândia (2009) e Monte Fuji, Japão (2010), usando mais de 15 idiomas diferentes, expressam preocupação com os problemas mundiais. A ideia principal do conceito da peça é que a Onisciência é um estado que só pode ser alcançado pelo Coletivo da Humanidade e que para resolver as características do mundo que inibem Harmonia, toda a Humanidade deve dialogar, criar e compartilhar conhecimento. O uso de diferentes línguas tem significados musicais e conceptuais. Os desenvolvimentos musicais evoluem tanto no uso de múltiplas linguagens, suas idiossincrasias fonéticas e as texturas musicais no instrumentos. Isto cria texturas e níveis semânticos que só podem ser compreendidas pelo audiência como um grupo comunicante que dialoga e reflete entre os diferentes significados, elementos e desenvolvimento.

Jaime Reis - Fluxus pas trop haut dans le ciel

Esta peça pertence ao ciclo Fluxus, cujas peças são inspiradas em elementos físicos e onde são desenvolvidos elementos musicais relacionados com a mecânica dos fluidos. Outras peças deste ciclo são: Fluxus, Dimensionless Sound, para flauta e electrónica (encomenda do Festival for the Liberation of Sound and Image, Paris, 2012), Fluxus, Transitional Flow (encomenda do Festival Primavera, 2013), Fluxus, Lift (estreia no Monaco Electroacoustique 2013), entre outras composições em progresso.

Esta peça em particular está centrada em ideias relacionadas com o que chamei de paisagens sonoras "aéreas". O desenvolvimento formal é baseado em 3 pilares inspirados pelos conceitos de Bernie Krause: geofonia, biofonia e antropofonia (géophonie, biophonie, anthropophonie). As secções estão interligadas por movimentos espaciais específicos que revelam ou escondem os seus percursos, pelo reconhecimento de fontes sonoras e outros eventos de modo a criar momentos que são mais ou menos claros na sua própria percepção.

Jaime Reis - Magistri Mei: Bruckner

Magistri Mei é um ciclo de peças que aborda o peso e o legado da tradição da música clássica ocidental. Assumo uma herança particular de ruptura, pois a própria noção de tradição, tal como a entendo, me impele a perturbá-la.

Esta peça em particular é uma pequena homenagem às ideias de polifonia de Anton Bruckner que tento explorar não apenas através do desenvolvimento polifónico tradicional, mas principalmente através da espacialização sonora conectada a gestos musicais expressos em padrões espaciais que viajam através de um sistema de som em forma de cúpula.

Esta obra foi encomendada no âmbito do projeto Embodied Gestures pelo Tangible Music Lab (Universidade de Arte e Design, Linz, Áustria). Nesta peça, há uma preocupação em explorar o gesto físico na música. Esta ideia foi facilitada pelas novas interfaces musicais desenvolvidas neste projeto de investigação, e foram utilizadas na concepção e criação desta peça, juntamente com algoritmos, padrões regulares e a supremacia do gesto materializado em objectos sonoros num contraponto de polifonia espacial.

Annette Vande Gorne - Jour de l'an: Jour de fête

Nesta meia-noite, no Japão, todos os sinos do templo clamam por renovação e esperança no futuro. Ouvir este momento é vivenciado como uma tecelagem cultural (sinos de todas as regiões do mundo) e espaço graças aos seus 18 canais distribuídos em uma cúpula.

* Estreias Absolut

20 Fev | 19h30

Jorge Sad Levi/Pablo Magne - Lo Nuevo Es La Memoria Radiante Del Pasado

É uma peça que desenvolve o tema da memória, pessoal, histórica, coletiva, e a forma como essa memória é continuamente apagada, reformulada e, ao mesmo tempo, baseada em dispositivos de poder e continuamente resgatada por estratégias de resistência. “Recordar, acordar-se despertar/acordarse acordar afinar accorder” formam uma nuvem específica de significados (que chamamos de cloudema), da qual derivam tanto os sons quanto as unidades visuais. A memória implica um retorno à vida, o esquecimento equivale à morte. O trabalho visual de Pablo Magne reinterpreta completamente o conteúdo sonoro, produzindo uma partitura imaginária que permite que o som seja lido através da imagem.

O trabalho em conjunto com Pablo Magne é caracterizado por uma intuição mútua imediata das intenções e dos caminhos a serem desenvolvidos, razão pela qual em geral verbalizamos muito pouco o conteúdo que projetamos e trabalhamos com poucos slogans uma vez organizado o som, Pablo é um músico minucioso cujo instrumento é a imagem, de modo que uma vez que a partitura sonora existe, é interpretada e, ao mesmo tempo, é formado um círculo virtuoso, quando a obra termina, a imagem aparece como a partitura sobre a qual a obra musical foi escrita. Já trabalhámos em "Amusia", ópera de câmara para seis músicos desta forma realizada com o Seres/Parlantes Ensemble. A sinergia é um fenómeno mágico. Ambos compartilhamos ideias políticas e artísticas e o imaginário da Argentina pós-ditadura.

Dennis Miller - Circles and Rounds

Circles and Rounds explora uma variedade de caminhos, processos e formas circulares dentro de um ambiente virtual. A obra está dividida em quatro seções relacionadas e é unificada por recursos visuais recorrentes e elementos musicais. Todas as imagens foram criadas com Maxon Cinema 4D, e a música foi composta usando uma variedade de ferramentas, incluindo Native Instruments Reaktor e Acústica Aplicada Tassman.

Chikashi Miyama - Piano Chimera

O objetivo desta obra é estabelecer uma relação de contraponto entre imagem e som, tratando as imagens de vídeo como um instrumento musical. Estes dois instrumentos, imagens de vídeo e sons eletrónicos, ora tocam acordes e ora tocam passagens alternadas. Todos os materiais sonoros usados nesta peça são originários de um piano. Gravei um grande número de sons de todas as partes do instrumento (por exemplo, teclado, pedal, tampo, tampa, cordas, cravelhas de afinação, ponte, etc.) e tentei encontrar conexões naturais e gestuais entre eles. A peça emprega apenas três técnicas de edição: corte, controlo de amplitude e mudança de tom. Eu pretendia apresentar estes sons não processados sob uma nova luz por meio de conexões, espero, inesperadas. Para a parte do vídeo, também usei imagens de um piano, principalmente movimentos da mecânica interna. Apliquei efeitos monocromáticos, mascarados e desfocados para enfatizar os movimentos e manter um certo nível de abstração.

João Pedro Oliveira - Coalescence

A coalescência é o processo de união ou fusão de elementos para formar uma massa ou um todo. Nesta peça de música visual, tanto os materiais visuais como a música juntam-se e separam-se em unidades distintas, formando formas e sons que são a combinação de elementos unidos.

Sobre...

Annette Vande Gorne

Fundadora e directora do Centro ''Musique & Recherches'' e dos Estúdios "Metámorphoses d'Orphée'', criados em 1982, em Ohain, Bélgica. Organizadora do 1º Festival Internacional de Música Acusmática de Bruxelas em 1984 e de numerosos concertos desde então. É editora da publicação Lien. É professora de Composição Electroacústica nos Conservatórios de Liège, Bruxelas e Mons, desenvolvendo trabalho de investigação na área da espacialização da música electroacústica sobre suporte. Protagoniza concertos na Bélgica e internacionalmente. Desde 1999, começou a organizar um curso internacional de Verão em Espacialização e, desde 1987, em Composição Electroacústica. As suas obras podem ser escutadas em festivais e programas de rádio que apresentam electrónica em suporte fixo. Os seus interesses relacionam-se com: a busca de arquétipos energéticos que relacionem a sua obra; as relações com a palavra, som, e significado proporcionados pela tecnologia electroacústica; a composição do espaço enquanto parâmetro musical e a sua relação com os outros quatro parâmetros (timbre, duração, altura e amplitude) e possíveis arquétipos que relacionem estes elementos. O seu trabalho é centrado na prática musical acusmática, incluindo a suite TAO e Ce qu’a vu le vent d’Est, que renova os laços da música Electroacústica com o passado, com algumas intercepções noutras formas artísticas, incluindo teatro, dança, escultura, etc.

Annette Vande Gorne [Photo: Chantale Laplante, Ohain (Belgique), mai 2009]

Marta Domingues

Marta Domingues (2000). É licenciatura em Composição na Escola Superior de Música de Lisboa, onde estudou com Carlos Caires, Carlos Marecos e Jaime Reis, atual orientador, com Annette Vande Gorne, do seu mestrado em Composição na mesma instituição. Colabora regularmente na organização do Festival DME e Lisboa Incomum desde 2020. A sua música tem sido apresentada em contextos como: DME / Lisboa Incomum, Música Viva/ Oculto d’Ajuda, Aveiro Síntese, BoCA - Biennal of Contemporary Arts/ Teatro São Carlos, Sonorities Belfast, Espace du Son (Bruxelas), International Confederation of Electroacoustic Music e Monaco Electroacoustique. Recebeu o primeiro prémio Jovens Criadores 2017, na secção musical, com o grupo FEME-EMSCAN e foi-lhe atribuída uma menção honrosa no concurso Métamorphoses 2020 (Bélgica). A sua música está publicada pela Influx/ Musiques et Recherches (Bélgica) e edições DME/Lisboa Incomum.

Marta Domingues, photo by Yuna Le Quéré

Hugo Vasco Reis

Hugo Vasco Reis (Lisboa, 1981) é compositor de música contemporânea. Estudou composição com Isabel Mundry, na Universidade de Artes de Zurique (MA em Composição), como bolseira da Fondation Nicati-de Luze (Suíça), com Stefan Prins e Mark André, na Hochschule für Musik Carl Maria von Weber Dresden (MA em Composição) e na Escola Superior de Música de Lisboa (BA em Composição), com Sérgio Azevedo, Luís Tinoco e António Pinho Vargas. Teve classes particulares e masterclasses com os compositores Toshio Hosokawa, Chaya Czernowin, Hans Tutschku, Dieter Ammann, Franck Bedrossian, Zigmunt Krauze, Åke Parmerud, Carola Bauckholt, Klaus Lang, Peter Ablinger, entre outros. O seu catálogo inclui peças para orquestra, música de câmara, música a solo, eletroacústica, vídeo e instalações. As suas peças têm sido interpretadas em várias salas de concerto e festivais (Portugal, EUA, Alemanha, Áustria, Reino Unido, Suíça, Itália, Estónia, Polónia, Espanha, França, Índia e Moçambique), e premiadas/selecionadas em diversos concursos: Matera Intermedia Festival, The Future Blend Project, NGCS, Folefest, Festival Criasons, Risuonanze 2018, Associação Portuguesa de Compositores, International Society for Contemporary Music - World Music Days 2019, GMCL/Jorge Peixinho 2020, Internacional Confederation of Electroacoustic Music 2021 e Sonic Matter 2021. Editou cinco álbuns monográficos: “Poema Anacrónico” (2013), “Metamorphosis and Resonances” (2017), “I am (k)not” (2018), “O Espaço da Sombra” (2018), “Chamber Music I” (2019) e “Voices and Landscapes” (2021), os quais foram nomeados pela SPA e GDA para melhor trabalho de música erudita, e que incluem as suas composições. Os seus trabalhos têm sido apoiados pelo Ministério da Cultura de Portugal, DGArtes, Antena 2, ESML, ZHdK, SPAutores, Coro Setúbal Voz, Síntese GMC, Musicamera, Borealis Ensemble, Câmara Municipal de Lisboa, Vertixe Sonora, Momento Foundation e Graf-Fonds. As suas partituras são editadas pelo MIC.PT - Centro de Investigação & Informação da Música Portuguesa. Durante a sua formação estudou guitarra elétrica na Escola de Jazz do Porto e guitarra portuguesa no Conservatório de Música do Porto e na classe particular de Pedro Caldeira Cabral. É também engenheiro civil, apesar de atualmente não exercer a profissão.

Hugo Vasco Reis

Jaime Reis

Jaime Reis é um compositor português que estudou com Karlheinz Stockhausen e Emmanuel Nunes, após ter estudado Composição e Música Electrónica com João Pedro Oliveira. É o fundador e director artístico do Festival DME e do espaço Lisboa Incomum. A sua música, instrumental e electroacústica foi interpretada em mais de 20 países. Colaborou com instituições como: ZKM, IRCAM, Musik Fabrik, The Acousmonium Project of Vienna, Aleph Guitar Quartet, Musiques & Recherches. É professor na Escola Superior de Música de Lisboa.

Jaime Reis in Lisboa INCOMUM - photo by Anna Mouradian

Jorge Sad Levi

(1959) His music has been played in concerts and Festivals in America, Asia and Europe. His works are published by Babel Scores; Luscinia Discos, Elektra Music, Alina Records and Plus Timbre. He is currently professor of Musical Semiotics at the University of Tres de Febrero.

Jorge Sad Levi - photo by Pau Ribas

Pablo Magne

Diretor de cinema, videoartista, fotógrafo, designer gráfico, músico e produtor audiovisual. Nasceu em Buenos Aires, Argentina. Inicia-se nas artes plásticas e continua a sua pesquisa com audiovisuais, fotografia e experimentação sonora. O seu trabalho como cineasta é composto por uma dezena de curtas-metragens e videoclipes premiados. É reconhecido internacionalmente como designer de capas de álbuns para artistas de música eletrónica. Como videoartista, colabora com compositores na criação de performances audiovisuais e videoartes; especializado em cruzamento de linguagens artísticas e improvisação livre. Produz bandas sonoras e música eletrónica.

Pablo Magne

Dennis Miller

Dennis H. Miller é doutorado em composição musical pela Columbia University em 1981 e é professor emérito da faculdade de música da Northeastern University em Boston. As suas obras de media mista, que muitas vezes ilustram princípios extraídos da composição musical aplicada ao domínio visual, foram apresentados em vários locais em todo o mundo. Exposições das suas imagens estáticas em 3D foram realizadas no Boston Computer Museum e na Biannual Conference on Art and Technology, e estão publicadas em Sonic Graphics: Seeing Sound (Rizzoli Books) e Art of the Digital Age (Thames and Hudson).

Miller é o fundador e diretor artístico da Visual Music Marathon, um programa de exibições que inclui obras de cineastas de todo o mundo. Também atua como fotógrafo, e os seus interesses incluem fotografia supermacro, astrofotografia e microscopia de cristal. O seu trabalho pode ser encontrado em www.dennishmiller.com

Dennis Miller

Chikashi Miyama

Chikashi Miyama é compositor, artista de vídeo, designer de interface, performer e desenvolve softwares. Recebeu um MA (Sonology/2004) da Kunitachi College of Music, Tóquio, Japão, um Nachdiplom (Komposition im Elektronischen Studio/2007) da Academia de Música de Basel, Suíça, e um Ph.D (Composição/2011) da Universidade de Buffalo, Nova York, EUA. Estudou com Takayuki Rai, Georg Friedrich Haas, Jacob Ulmann, Erik Oña e Cort Lippe. As suas composições receberam um prémio ICMA (2011/UK) da International Computer Music Association, um segundo prémio no concurso da comissão SEAMUS (2010/St. Cloud, EUA), um prémio especial no Destellos Competition (2009/Argentina) e uma menção honrosa no Concurso de Música Electroacústica de Bourges (2002/França). As suas obras e papers foram aceites pelo ICMC doze vezes, pelo NIME quatro vezes, e selecionados por diversos festivais internacionais em 18 países, como Mix, Re:New (Dinamarca), Musica Viva (Portugal), Espace sonore, dBâle, SHIFT (Suíça), Next Generation (Alemanha), Agora Resonance, Scrime (França), Lica-Mantis, BEAM (Reino Unido), June in Buffalo, NWEAMO, SPARK, NYCEMF, SEAMUS (EUA), Sonoimágenes (Argentina), Simpósio SuperCollider, e Pdcon. Várias obras estão incluídas no DVD do Computer Music Journal Vol.28 pela MIT press, e no CD/DVD oficial do ICMC (2005/2011). Em 2011, recebeu uma bolsa de investigação do DAAD (Serviço Alemão de Intercâmbio Académico) e trabalhou como investigador visitante na ZKM, Karlsruhe, Alemanha. Foi professor de computer music na Universidade de Buffalo, EUA, Music Academy Basel e College of Arts Bern, Suíça. Entre 2015 e 2017, trabalhou como investigador associado na área de desenvolvimento de software e desenvolveu Zirkonium Ver 3. Atualmente leciona na College of Music and Dance, Colónia, e trabalha como criador de software na Dear Reality GmbH Düsseldorf.

Chikashi Miyama

João Pedro Oliveira

João Pedro Oliveira ocupa o cargo de Corwin Endowed Chair em Composição na Universidade da Califórnia em Santa Barbara. Estudou orgão, composição e arquitetura em Lisboa. Concluiu o doutoramento em Música na Universidade de New York em Stony Brook. Sua música inclui composições orquestrais, música de câmara, música eletroacústica e vídeo experimental. Recebeu mais de 70 prémios internacionais pelas suas obras, incluindo três prémios no Concurso de Música Electroacústica de Bourges, bem como os prestigiados Magisterium e Prémio Giga-Hertz, o 1º Prémio no concurso Metamorphoses, o 1º Prémio no concurso Musica Nova. Foi professor na Universidade de Aveiro e na Universidade Federal de Minas Gerais. Publicou diversos artigos em revistas nacionais e internacionais, e escreveu um livro sobre teoria analítica da música do século XX.

www.jpoliveira.com